El rey león, 5 claves para disfrutar la nueva versión del clásico de Disney

Por Lucía Alcaide

1) El Live Action que no es Live Action, es fotorealismo: 

El director de la película, Jon Favreau, a cargo de las películas de Iron Man y del Live Action de "El libro de la Selva", aprendió mucho sobre la tecnología mientras desarrollaba la historia de Mowgli. En ese momento James Cameron lo ayudó bastante mostrando y acercándole la tecnología que este usó para "Avatar". Pero Jon se dió cuenta al final del rodaje de "El libro de la selva" que mucha de la tecnología que utilizó ya estaba quedando obsoleta. En ésta nueva película lo que quiso hacer fue una película animada, pero que parezca un live action, como si fuera un documental y que no desentonara con, por ejemplo, Aladdin. Para eso su equipo fue a África y realizaron una investigación con cámaras imperceptibles para los animales para así tener una base para los animadores, también grabaron sonidos de animales y paisajes. En base a todo eso, los animadores de CGI, realizaron un modelo virtual con todos los escenarios usados en la película, y fueron creando todos los personajes que participan en la misma. Al tener este modelo virtual, el equipo se podía poner gafas de realidad virtual y poder ver la película e ir corrigiéndola, escena por escena, a medida que se filmaba. También pudieron utilizarlo los actores para ver en acción a sus personajes en un demo. Es así como Jon, describe su película como un híbrido de tecnologías, en lo que él llama fotorealismo. Esto tiene sus cosas buenas y sus cosas malas que veremos en el próximo punto.

2) La realidad supera a la ficción:

El realismo que tiene la película y la calidad de imágen es impactante, se ven las luces y sombras, las partículas de polvo e insectos en el aire, los alientos, la respiración en el vientre de los animales, el viento mueve pelajes y hojas, los cielos y sus matices, el brillo en los ojos de los animales, etc. Todo eso es fantástico. Y no podes encontrarle la falla, parece 100% real. Tal como Favreau quería. Pero este realismo puede llevarnos a caer en un lugar común y criticar que los animales no tienen expresión alguna en sus rostros. Esto se debe a que la visión del director era no realizar nada que no sea realidad. Por eso en esta versión, los animales no hacen cosas humanas, ni gesticulan, ni tienen cejas. Si es una versión lo más realista posible, no esperes que los animales bailen, esto se soluciona con las interpretaciones del doblaje que veremos a continuación. Lo que sí podría criticar al respecto es que tanto realismo no nos deja diferenciar algunos personajes, como las leonas, que se ven todas iguales, hasta que hablan o alguien las menciona. El único personaje que se realizó con captura de movimiento, fue Rafiki, el sabio consejero, interpretado por John Kani, ya que la lectura que hace el animal de todo lo que pasa a su alrededor y el mote de "sabio" ameritaban otro tipo de trato.

3) El doblaje es protagonista: 

Ya que los animales no están dotados de expresiones humanas como en la película original, todo el peso de la interpretación recae en los actores a cargo del doblaje. Y lo hacen realmente bien, aunque a veces pareciera que es demasiado el énfasis que le dan a su interpretación, es el único recurso que tenemos para saber qué es lo está atravesando el personaje, ya que las caras realistas de los animales tienen la misma cara de poker, con leves matices, durante todo el film. El único actor que se mantuvo de la anterior cinta, fue el del mismísimo Mufasa, interpretado nuevamente por el veterano James Earl Jones, también conocido por su interpretación de Darth Vader en Star Wars. Entre el cast se destacan: Donald Glover, si vieron la serie animada Ultimate Spiderman fue quien hizo la voz de Miles Morales, haciendo al Simba adulto; la cantante Beyonce, quién interpreta a Nala adulta y los comediantes Billy Eichner y Seth Rogen como Timón y Pumba, respectivamente. En mi caso vi la cinta en idioma original, así que no puedo opinar sobre el doblaje latino. Aunque si me hubiera gustado verla doblada para apelar a la nostalgia, ya que los diálogos y canciones que uno tiene en la memoria son los del doblaje latino, y no su versión original. Así que habrá que verla en ambas versiones. 

4) Nada nuevo bajo el sol africano: 

Si vas al cine esperando ver una historia distinta a la de 1994, vas a salir decepcionado. La película es un calco de la original, incluso a veces, fotograma por fotograma. Aunque tiene acreditado a un nuevo guionista, está basada 100% en el guión original. Algunas secuencias que son más artísticas que de trama fueron agregadas, como una con un mechón de pelo y el ciclo de la vida, quizás alguna participación más importante de Nala, más motivada, creo yo, para darle lugar a Beyoncé, que por intentar hacer un guiño al feminismo como sucedió en Aladdin. Y lo que sí fue sacado del guión, fue todo lo que no fuera realista, por ejemplo los bailes de Timón y Pumba, un detalle en el cielo de una escena icónica, etc, precisamente porque no cuadraban con la visión de realismo del director. Además fueron cambiados los diálogos de Timón y Pumba, dejando a los actores improvisar para darle un humor más actual a la película. 

5) La música del Rey León recargada: 

Quizás lo que recordemos más de los clásicos de nuestra infancia, cuando de Disney se trata, sean las canciones. Y todas las que ya conocemos fueron reversionadas para esta nueva cinta, con el agregado de una canción llamada 'Spirit' que realizó Beyoncé (que de hecho prepara todo un álbum en homenaje a la película). Lo bueno de todo esto es que Hanz Zimmer, el compositor original del Score es nuevamente de la partida. Y de hecho estaba muy entusiasmado de regrabar las canciones, porque comentó que en el momento de hacerlo para la versión del 94, no pudo grabarlo con todos los instrumentos que quería porque no contaba con el presupuesto. Disney ese año apostaba a Pocahontas como su caballo de batalla, y El rey león era una cinta de segunda que no tenía tanta prioridad para el estudio. Además también repiten Tim Rice y Elton John con sus letras, sumado a la producción musical de Pharrell Williams. 

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En definitiva, vale la pena ir a ver el Rey León en el cine por la calidad visual nunca antes vista, eso es lo nuevo que aporta, y es mucho. Me fui con la sensación de que visualmente era como 'Avatar' que si no la viste en el cine, te perdiste de mucho. Te juro que vas a salir necesitando el Blu-ray con 3 horas de documental de cómo se realizó el film. Si a eso le sumamos un poco de nostalgia por nuestra infancia y canciones clásicas, tenemos el combo perfecto. Siempre y cuando entendamos la visión del director de mostrar con realismo a los animales y a los escenarios de este clásico. Y si no lo podés entender: ¡Hakuna Matata! 

     la primera vez que fui al cine me                     cambio la vida 

                Por Baltasar Alcaide 

              

En la vida de todo niño siempre hay momentos importantes que te marcan toda la vida. Tuve la suerte que mis padres siempre se preocuparon por mis consumos culturales  memoria: Desde los cuatro años voy a la feria del libro y con el tiempo me di cuenta que esa actividad para algunas familias era casi paranormal. También siempre estuvieron atentos para que yo tenga mis momentos de recreación y juegos ( en mi caso mi punto fuerte eran las figuras de acción ) . Después de hacer la tarea y merendar yo tenia mi tiempo para jugar .Estaré eternamente agradecido por eso. Una de las actividades que para mi eran mágicamente naturales era ir al cine . En la actualidad ir al cine tiene el mismo espíritu que ir al shopping a comprarte un celular o una zapatillas nuevas. Hoy predominan las cadenas de cine con una estética cuidada y despersonalizada . Cuando yo era chico ( y decir esto me hace sentir aun mas viejo ) predominaban los cines similares a templos , con infinitas butacas y con surtidores humanos de garrapiñadas y pochoclos ( esos seres mitológicos fuera de catalogo ) . Fuimos con mi viejo al antiguo cine de Caseros ubicado en San Martin y Urquiza.

Hoy ese cine es un templo donde adoran a otro tipo de dioses paganos. En ese momento mi Dios Pagano fue Sylverster Stallone. La primera película que vi en el cine fue Rambo 3. Tenia dos años ( casi tres ) y mi padre ( inconciente  como la mayoría de las veces ) me sumergió en la experiencia de ver a Stallone peleando contra los sovieticos ( viendo la fecha se estreno el mismo dia que el nacimiento de mi hermano , quizás mi viejo queria despejar la cabeza y me llevo a ver esa locura fílmica). En esa ocasión también probe un poco de la magia del cine : Cuando Rambo tenia sed , a mi me daba mas sed y pedia gaseosa. Rambo tenia hambre , a mi me daba mas hambre. Lo que le pasaba al personaje me pasaba a mi . Esa marca me persiguió durante años en muchas películas . El cine para mi es eso.

Tengo recuerdos muy nebulosos de diversión desmedida y de violencia sin sentido. Rambo tenia que ir a rescatar ,sin apoyo militar, a su amigo Trautman y el loco se la bancaba con un arco y flecha ( hasta hace volar un helicóptero ¡!!! ) y un par de armas que encontraba por ahí. La película tiene el record Guinnes de violencia en pantalla con mas de 108 muertes y 221 actos violentos en pantalla. Rambo es Budista y de un dia para el otro deja todo a la mierda y va a rescatar a su amigo milico. Poesia pura. Recuerdo salir del cine maravillado y encandilado por la luz de la tarde. A partir de ese momento yo percibi al cine como un lugar mágico , un refugio que terminaba de cerrar un circulo de sal en mi educación cultural: Muñecos , libros y cine. Hoy en dia seria impensado que un padre lleve a su hijo de dos años a ver una película calificada para mayores de 16 años , es mas ni te dejan entrar al cine directamene. Pero ese acto heroico de mi viejo me abrió las puertas a lo que soy ahora , y lo hizo sin pensarlo ni proponérselo

El Fin de la Guerra del Infinito

Por Pablo Verón

Por el año 2008 con el estreno de Iron Man empezaba lo que se conocería como la inicitiva Vengadores, hoy 11 años, 3 fases y 24 películas después finaliza una etapa en el Universo Cinematográfico de Marvel.

Endgame no puede ser calificada como película, es una obra que se tomó un largo tiempo para su construcción y finalmente puede ser apreciada. La historia transcurre luego de los sucesos de Infinity War, el mundo está desconcertado y busca la forma de seguir adelante, Los Vengadores saben que es su tarea restaurar las cosas y dejarlas en orden. Entonces allá van, en búsqueda de venganza o de redención.

El cierre de la fase 3 nos deja con una película de 3 horas en la cual pasamos por todos los estadíos. En la primer parte nos encontramos con muchas escenas de comedia, por momentos parece que demasiadas, pero en el resultado final quedan muy bien ya que eso hace muy llevadera su duración. Después entramos en una película de aventuras, búsquedas del tesoro, viajes temporales y referencias, muchas referencias. Para entrar así a un drama, con reencuentros y a sabiendas de que así como todavía hay esperanzas, aún no pasó lo peor. Dando lugar a la batalla final donde todo lo que querés hacer es pararte del asiento, festejar cada golpe dado, lamentar cada golpe recibido, esperando la calma pero con la certeza de que cuando termine, todo termina.

Avengers Endgame es el resultado final de algo que se viene construyendo hace mucho tiempo y cierra de forma magistral La Saga del Infinito. Esa que en su primera fase nos presentó a Iron Man, Hulk, Capitán América y Thor, que en la segunda agregó a Los Guardianes de la Galaxia y Ant-Man y en la tercera nos trajo a Doctor Strange, Black Panther y Capitana Marvel. Y que tras muchas dudas con los distintos villanos, nos mostró a un Thanos con un motivación real, con matices, que no era malo por el solo hecho de ser malo sino que su plan tenía un propósito.

Ya están anunciadas algunas películas de la Fase 4, continuaciones de Doctor Strange, Black Panther y Guardianes de la Galaxia, la película en solitario de Black Widow y la llegada de Los Eternos y Shang Chi al MCU. También falta Spider-Man Lejos de Casa que está planteada como el cierre de esta Fase, es hora de empezar de nuevo con otros nombres, con otras caras que refresquen la franquicia pero lo que está claro es que La Saga del Infinito llegó a su fin.

Calificación: 9/10

        Dos lecturas Ramoneras  

                                                    Por Baltasar Alcaide 

Si sos un adolescente y tuviste la dicha de de escuchar a los Ramones por primera vez en tu vida ( una sensación hermosa e irrepetible ) también tenes la desgracia de saber que nunca los vas a poder ver en tu perra vida. Este karma que nos persigue a muchos no logra ser saciado por la cantidad inmensa de documentales que hay por todos lados. Si ya gastaste el vídeo de youtube de la presentación de los Ramones en River ( trasmitida por Telefe ) y queres ir un poco mas allá podes arrancar leyendo Ramones en Argentina de Gerardo Barberan Aquino (gourmet Musical ).

Narrada de una forma ágil y muy entretenida, el libro nos cuenta las visitas de los Ramones por estas pampas desgranando la actualidad del rock en cada incursión del cuarteto y su impacto cultural en la primavera Menemista. Cada capitulo esta englobado en los años que vinieron y las repercusiones mediáticas que tuvieron en las bandas que formaron parte de estos legendarios recitales.Una de las cosas mas destacadas del libro es la fotografía mental que nos regala del contexto de cada persona que fue tocada por la presencia de los 4 de Queens . Los extractos de entrevistas a músicos de la escena nacional como Los Violadores , a77aque , Massacre y Cadena perpetua se van mechando de forma orgánica con la visión inedita que tenia los Ramones sobre el éxito en esta parte del mundo , sin quererlo fueron los padrinos de una escena musical que hoy en día sigue perdurando  .

El libro gana en emoción cuando se ve por la mirilla las personalidad tan distintas de los integrantes de la banda . Eso se asentua mientras te vas devorando el libro ( en menos de 4 viajes en bondis lo liquidas ) y vas notando que cuanto mas es el impacto que causaban en sus visitas , mas se estaba resquebrajando su relación interior y esa decadencia se hizo palpable por momentos.

El éxito de los Ramones en Argentina llego en el momento menos pensado de una banda que logro conquistar y cautivar a un publico que se sintió marcado por su fugaz existencia. Aconsejo leerlo escuchando a los Ramones al Palo 

Sobre el autor

Gerardo Barberan Aquino nació en Corrientes en 1983. Escribe sobre música desde 2005 . Colaboro en revistas como Maxim , Rolling Stone , La Mano , Diario La época de Corrientes. En television trabajo en cadenas como internacionales como Disney Channel y Fox. En 2015 comenzó a trabajar para la NBA , donde dirige los contenidos audiovisuales para Latinoamerica . Escucho a los Ramones a los diez años y a partir de ahi empezo su carrera como Ramonologo. Para escribir el libro entrevisto a todos los Ramones vivos al momento de la publicación.

la segunda lectura recomendada es la autobiografía de Johnny Ramone llamada Commando .Contada con la cadencia , su compás , el ritmo y el humor de Johnny hace que te acerques de una manera muy particular al estoico líder y guitarrista de los Ramones. Mi hermano me presto una edición pirata de este libro sacada de una feria del libro punk , hay miles de ediciones con fotos y demás anales para fanáticos y sibaritas de la música, lo importante es que leas por que se disfruta de una forma inesperada. El libro recorre toda la vida del guitarrista y va construyendo de forma muy sutil como se forjo su fuerte carácter  y los motivos de muchas de sus acciones a lo largo de toda la trayectoria de la banda. Cuenta sus orígenes musicales y la relación que con cada uno de los integrantes y no se priva de nada a la hora de criticar o alabar a sus compañeros. Una de las cosas mas destacadas ( y que te hace acercar aun mas al guitarristas ) es el esquema de trabajo que imponía en la vida de la banda que dio como resultado un trabajo sostenible a lo largo del tiempo. Los últimos capítulos nos relatan los primeros vestigios de una enfermedad que no pudo superar y por mas que sea su momento mas frágil , se lo nota tan fuerte como cuando agarraba la guitarra y la empuñaba como su fuera una metralleta

Te quedaste manija de los Ramones ? escucha de nuevo el recital que dieron en la cancha de River 

 De pronto, ¡Flash!: Luis Miguel la serie , y su explosion en Netflix                                        

                                      Por Lucía Alcaide

La gente que decidió mirar ésta serie, se divide entre los fanáticos del ídolo mexicano y los que probablemente la miramos para comentarla irónicamente en twitter. El problema para los de éste segundo grupo, en los que me incluyo, es que es muy probable que hayan terminado más fanatizados de lo que podrían haber imaginado en un principio. A una semana de concluida una de las series que más ha dado de comer a los medios, a las redes sociales y a los emprendimientos de merchandising, analizamos el poder de éste fenómeno y las 10 claves de por qué estamos todos cantando hits del siglo pasado.

1)   Los 80/90 siguen siendo tendencia:

Ésta década, se está caracterizando por un revival de las décadas del 80/90 en materia de películas y series, y cada vez hay más remakes y reboots de franquicias de esos años, tanto para los que fueron niños en esa época, como para los que fueron adolescentes; hoy convertidos ya en un público adulto que consume con fanatismo y nostalgia cada cosa que los haga volver a revivir esa etapa. Sin ir más lejos, el actor que interpretó a Luis Miguel en la serie, Diego Boneta, se encuentra filmando actualmente el Reboot/Secuela de Terminator.

He aquí una de las claves de la serie, la gran mayoría del público recuerda algunas de las canciones, tapas de cd, de revistas, comerciales, famosos, escándalos o teorías conspirativas sobre la vida de la estrella mexicana.

                          2) El Morbo 

Una de las cosas que sorprendió desde el principio fue que el propio Luis Miguel, estrella de las más herméticas que hay, había autorizado la realización de la serie (obviamente cobrando una cifra millonaria y teniendo a uno de sus mejores amigos produciéndola). Por lo tanto, en la serie se cuenta “la verdad” sobre muchos mitos de su vida, aunque la misma esté basada en el libro del periodista Javier León Herrera, sugerido por la estrella como punto de partida para la información que se mostraría en la serie. Luis Miguel es una estrella muy celosa de su vida privada, que está plagada de escándalos, desde romances con famosas, su controversial relación con su padre, su no relación con sus hermanos, hijos sin visitar, operaciones, adicciones, la desaparición de su madre, y miles y miles de rumores, que nunca se esforzó en aclarar. Hasta ahora. 

                          3)  No me puedes dejar así 

Además de ser el título de una canción de Luismi en su etapa adolescente, que le da nombre al último episodio de la serie, “No me puedes dejar así” es la clave de uno de los ganchos de la serie. Mucho de los finales de episodio terminaban con un Cliffhanger al mejor estilo “Lost”, éste es un recurso muy usado en libros, series y hasta películas (como el “Continuará…” de Volver al futuro), en donde algo inesperado sucede a último momento y nos deja con el corazón en la boca y una necesidad urgente de ver como continúa la historia. El pequeño problema es, que si la empezaste a maratonear una vez finalizada, probablemente hayas caído en el tan famoso “un capítulo más y me duermo”, que siempre termina en desvelarte y terminar la serie en una noche. En cambio, si viste la serie desde el principio, tenías que esperar hasta el próximo domingo para ver como sigue. Y eso nos lleva al siguiente punto.

              4)La necesaria retroalimentación

Netflix nos tenía acostumbrados a un nuevo formato, en que al estrenar una temporada teníamos a nuestro alcance toda la temporada de la serie, causando desvelos en los seguidores que miraban sin parar capítulo tras capítulo. En éste caso no, ya que la serie se pasaba por TV los domingos, y luego de emitido se subía a la plataforma. Esto nos lleva a la tan necesaria retroalimentación, luego de cada episodio, teníamos una semana para investigar sobre lo visto y ver cómo sucedieron las cosas en la vida real. Los programas de espectáculos con entrevistas a los famosos que aparecieron en la serie como amigos de Micky, ex amores, colegas, etc, todos los lunes teníamos a algún indignado de gira por los medios mexicanos. Por el lado de youtube e hilos de twitter, curiosidades de cada capítulo, comparaciones entre videos y shoots en la serie y en la vida real, reflotar viejas actuaciones, entrevistas o videoclips de Luismi. Y la preferida de todos, teorías sobre la desaparición de Marcela. Los medios, las redes sociales y la serie, se retroalimentaron capítulo a capítulo, generando más y más contenido.

                           5) Los mitos sobre la serie

Como si no bastara con todos los videos, artículos, publicaciones y horas de tv, dedicados a los misterios de la vida del Sol y lo que develó en la serie, también se arman más y más teorías a raíz de ésta.  No alcanzarían 10 temporadas para desenroscar todo. Entre las más repetidas están las que hablan de que Luismi no se ve con su hermano menor Sergio porque resultó ser mejor cantante que él, o porque no es hijo del mismo padre. Las discusiones sobre si Diego Boneta se separó los dientes realmente, se los limó o si se colocó una resina para simular los dientes separados; si el actor está en pareja con la actriz que interpreta a Erika ó  no. También luego de ver el capítulo en donde el Sol canta en la boda de la hija del presidente, no faltaron quienes tiraron la hipótesis de que Luisito Rey no es el padre del niño menor. No falta el que asegura un spin off con el manager Hugo López, que no sólo fue manager de Luis Miguel. Quizás la que más adeptos tiene, es la teoría de que la serie es el plan entre Luismi y sus amigos para reflotar la carrera del cantante, ya que en la última década no ha tenido éxitos y sí muchos juicios millonarios, por lo que vendiendo su vida privada y re versionando hits de las décadas pasadas podría volver a posicionarse en el mercado (cosa que está pasando).

                             6) Los verdaderos protagonistas 

La serie, a pesar de llevar el nombre del cantante, no cae en el hartazgo de ser muy autorreferencial. De hecho, muchas veces pareciera que la carrera del Sol, es una excusa para ir mostrando el verdadero hilo conductor y el conflicto fundamental que se nos plantea desde el primer episodio: la tensa relación entre los padres de Micky y cómo todo esto lleva a la desaparición de su madre. El misterio en todo esto y la violencia ascendente de Luisito Rey, es lo que la hace adictiva. Y capítulo a capítulo vemos como entre flashbacks e investigaciones se va armando éste rompecabezas. El trabajo de los actores que encarnan a los papás de Luis Miguel, es impecable, y transmiten todo lo que tienen que transmitir en los diferentes matices que vemos a través de los años.

                               7) The Dark side of the sol

Al saber que Luis Miguel está involucrado en la serie, uno puede pensar que él será el único que quedé bien parado en la misma. Pero en éste caso no intenta justificarse, ni limpiar su imagen en varios de los temas más controversiales. Abusa de sustancias como el alcohol, tabaco, y hasta cocaína en su etapa más descontrolada; lo vemos como decide irse con el villano cuando Marcela decide separarse; como ignora los pedidos de su hermano para localizarla años después; el desprecio por su padre en los últimos años de vida; las peleas con sus novias; el destrato a fans, periodistas y hasta su propio manager; y quizás lo más controversial de todo, el no reconocimiento de su hija. 

                             8) La estructura de la historia 

Si hablamos de la estructura de ésta historia, tenemos que mencionar que cada capítulo (excepto el primero) lleva el nombre de una canción del Sol, y que por lo general son sobre una misma temática, por ejemplo la infidelidad, las fans o la muerte,  que enlaza diferentes épocas del artista como su niñez, el paso a la adolescencia y diferentes etapas de su juventud. Y a su vez, cada uno de los episodios nos da una pieza del rompecabezas de la misteriosa desaparición de Marcela. Hubo 5 guionistas para ésta serie, y han logrado que sea un trabajo muy orgánico, muchas veces en éste tipo de metodología se llega a notar los altibajos, pero acá da la impresión que el guión fue pensado a conciencia, y que todo está contado y entrelazado en el capítulo exacto para darle sentido, coherencia y comprensión a la historia. 

                    9) Los actores 

Cuesta mucho encontrar grietas en las actuaciones de ésta serie, si tratara de nombrar a algún actor que no está a la altura de las circunstancias, se me dificultaría mucho. Podríamos poner entre lo más flojo, a los amigos de Micky, pero aparecen tan poco en la serie que sería injusto. Inclusive el youtuber, Juanpa Zurita, sale airoso en su debut actoral, interpretando a Alex (Alejandro), el hermano de Micky.

Sorprende las actuaciones de los tres Luis Miguel: Izan Llunas quien además de interpretar la niñez del artista, canta las canciones de la primer etapa de la carrera; Luis de la Rosa quien interpreta al Micky adolescente y Diego Boneta como el astro en su juventud y el interprete del resto de las canciones.

Los villanos de la serie, Luisito Rey y su primo Tito, interpretados por los españoles Oscar Jaenada y Martín Bello respectivamente, hacen queribles y hasta cómicos a personajes de lo más siniestros. Los actores argentinos Javier Gómez y César Bordón, son quienes cubren la cuota de paternalismo y protección a Micky, en las distintas etapas de su carrera, en los roles de Javier Camil (empresario mexicano que hace parte de su familia a Luis Miguel desde muy pequeño) y Hugo López (quien primero fuera productor de sus conciertos, y luego manager en su mejor etapa).

En cuanto a sus amores, las dos parejas que se reflejan en la serie Erika y Mariana, fueron interpretadas con mucha naturalidad, química y consistencia por Paulina Dávila y Camila Sodi. Pero quien tuvo la responsabilidad de interpretar al amor y el dolor más grande en la vida de Luismi, fue la actriz italiana Anna Favella, increíblemente bella y fascinante en pantalla, en el rol de Marcela Basteri, madre del astro, quien desapareció misteriosamente al tiempo de separarse del padre de sus hijos. 

                              10) Mi único héroe en este lio 

No merecemos ser representados por Hugo en el mundo, el manager Argentino de Luismi, quién es todo lo contrario al estereotipo del argentino. Entre tanta cosa mala en la vida de Luis Miguel, y en la serie en general, su voz calma, sus consejos, y sus frases memorables son un bálsamo, entre tanto ¡Coño, Micky! del super villano. Como todo en ésta serie, el laburo de cada uno de los personajes va escalando desde el principio y él no es la excepción. Desde que lo vemos por primera vez preocupado por la salud del Sol, cuando todavía era un niño, hasta llegar a la última escena, pasando por su ayuda en la recuperación de sus adicciones y la confianza que le dio para llevar su carrera hacia nuevos lugares. No compré ni me hice remeras de ésta serie, pero si lo hiciera sería algunas de las líneas de éste personaje, sin duda preferiría eso antes que al violento y abusador de Luisito Rey, que acaparó la mayoría de las estampas.

Al parecer, aunque no hubo anuncio oficial, habrá segunda temporada de la serie, así que si no la viste, espero haberte convencido con éstos 10 puntos, sacate los prejuicios y dale una oportunidad total, nadie se arrepiente de ser valiente.

 

" Éste es el mar " de Mariana Enriquez: Nublado encanto , color soñado canta // por Baltasar alcaide 

 

" Levanto la cabeza para buscar el olor a desesperación que necesitaba. Tenia que hacer un sacrificio. Jamas la verían si no se arriesgaba . ¿Desde cuando era la mejor del enjambre ? el tiempo era distinto para ellas, que vivían para siempre, pero en la eternidad el paso del tiempo se sentía reptante, lentísimo "

Así arranca " Este es el mar " y es quizás la mejor presentación de lo se van a encontrar a lo largo de la novela, y cuando digo encontrar no me refiero a encontrar una moneda en la calle, mas bien a encontrar un tigre salvaje en el medio del bosque. Las Luminosas son un grupo de musas invisibles que viven ocultas a la vista de todos a metros del mar. Con un halo de hadas misteriosas , sexuales y frías estas ninfas de la literatura Argentina se mueven entre la multitud y se alimentan del fanatismo ciego de las fans  y tienen como banquete principal hacer " leyendas" a las estrellas de rock provocando la muerte , el éxtasis de toda Luminosa perteneciente al "Enjambre"- Ellas no duermen y están en un frenético movimiento silencioso , como si fueran animales al asecho de una presa eterna.

Ellas no quieren tener un mártir , ellas necesitan una estrella que las ilumine por siempre. Se mezclan entre el grupo de frágiles adolescentes fomentando y potenciando el fanatismo , son aquellas chicas desapercibidas que influencias a las personas y desaparecen en el medio del caos.

Helena es una luminosa que tiene como objetivo hacer leyenda a James Evans , líder proto grouge - emo de la banda "Fallen ". Con facilidad casi terrorífica se hace asistente personal de la banda y comienza a sembrar el campo para que la joven estrella de rock se convierta en la leyenda mas grande del rock mundial. A lo largo de la historia podes sentir la tentación y la tensión sexual que siente Helena en ir mas allá de la eternidad y experimentar emociones humanas rompiendo el encanto y cuestionando sus propias convicciones calculadoras y frías. Como dice la canción de Babasonicos " De que sirve ser inmortal , si no se puede morir de amor "

" Este es el mar " es una novela corta cargada de una poesía sobrenatural que se hace original , fresca y mágica por lo concreto de la propuesta , despojándose de la explicación en los detalles y enfocadose en los personajes y en lo que sienten. Las 125 paginas se disfrutan de una forma encantadora como si en verdad fueran una seducción estratégica de las Luminosas. El pulso  y la mitología de los rituales de los fanáticos  elevan a la cultura rockera al estatus de religión pagana . El encanto perdura mas allá de la novela y es ahí donde radica la magia del texto. Para todo aquel que allá asistido a recitales o se empapo en el mundo del rock no les sera ajeno todo lo que se relata en " este el mar " y seguramente sentirá que en algún momento fue la bebida sagrada de estas deidades de la mitología Argentina.Todo ese embrujo sale de la pluma de Mariana Enriquez 

Sobre la autora 

Mariana Enriquez nació en 1973 en Buenos Aires. Es licenciada en periodismo y comunicación social , trabaja como subeditora en el suplemento Radar del diario Pagina/12 y es docente en la universidad de la plata . Publico las novelas Bajar es lo peor ( 1995-2013) , Como desaparecer completamente (2004) ; la colección de cuentos  los peligros de fumar en la cama (2009.2017 ) , Cuando hablamos con los muertos ( 2013 ) , las cosas que perdimos en el fuego (2016), Chicos que vuelven (2016); los relatos de viaje Alguien camina sobre tu tumba ,Mis viajes a cementerios (2013).

     "Cobra Kai" y la venganza de los nerds

                         por lucia alcaide

Si nunca escuchaste hablar de la plataforma de streaming creada en 2015 “You Tube Red”, probablemente éstas últimas dos semanas te hayas enterado de su existencia gracias al lanzamiento de la serie “Cobra Kai: la saga Karate Kid Continúa” y quizás también descubriste que hay vida fuera de Netflix.

Los últimos años vivimos un revival de las décadas de los 80/90, con películas como Ready Player One, las nuevas de Star Wars y Jurassic Park,  la serie Stranger Things, o la remake de IT, por nombrar algunas. En línea con esta tendencia,  en el 2017 se anunció la serie que continuaría la saga original de Karate Kid (olvidemos que la película del hijo de Will Smith existió).

La serie se basa, principalmente, en la primer entrega de la saga de 1984, en que Daniel Larusso, el chico nuevo en la ciudad, se gana como enemigo al chico popular del colegio Johny Lawrence, quien para su mala suerte es también el mejor alumno del Dojo de Karate menos ético del condado: “Cobra Kai”. La enemistad surge, por el amor de Ali, la ex novia de Johny y el nuevo interés amoroso de Daniel. Lo demás es historia. Palizas a Daniel, el vecino “Miyagi” que convenientemente sabe karate y les da una paliza a los bullys, Daniel aprendiendo karate con él y finalmente: la pelea final en el torneo de karate. En dónde, a pesar de lo sucio que pelean los Cobra Kai, nuestro amiguito Daniel gana el torneo con “La grulla”.

La serie Cobra Kai se sitúa más de 30 años después de la primer historia, y nos muestra en que andan Daniel y Johny en su vida como adultos. Tal como el nombre de la serie nos hace suponer, al primero que vemos en pantalla, es al ¿malo? de la película, y su vida miserable. Por algunos instantes, podemos apreciar que Daniel, tiene una vida más próspera, ya que sale en publicidades en radio, tv y en la vía pública, gracias a su agencia de autos de lujo. Antes de que termine el capítulo podemos ver el reencuentro de estos viejos conocidos  y como una serie de eventos desafortunados los volvió a juntar.

Pero la vuelta de Cobra Kai, no podría ser posible, sin el adolescente nuevo en el pueblo: Miguel. Éste personaje, no hace más que hacernos acordar a Daniel en la primer película, desde su primer escena. Y las similitudes se van acumulando en los 10 capítulos que tiene la serie.

Miguel es el papel clave en la modernización de ésta saga, ya que cada vez que Johny hace un comentario retrógrado de abuso, machismo, o discriminatorio él interviene haciéndole notar lo incorrecto y fuera de lugar de lo que dice.

Al personaje de Miguel, lo complementan otros personajes jóvenes, como Sam, la hija de Daniel que está incursionando en el mundo de las “chicas pesadas” del colegio, dejando atrás a su amiga nerd y con sobrepeso Aisha. El novio de Sam y bully de la escuela Kyler. Los nerds que se hacen amigos de Miguel: Demitri que nunca deja de hablar sarcásticamente y Eli, quien es el foco de las burlas por tener labio leporino. En el segundo capítulo, ya aparece la última pieza clave de la serie, el hijo rebelde de Johny, Robby que busca revancha por el abandono de su padre.

Ésta continuación de Karate Kid podría haber salido muy mal, pero se convirtió en la mejor serie del año, tanto que a pocos días de lanzarla, ya fue anunciada la segunda temporada. La serie está plagada de guiños a la película original, desde los lugares que muestra, los actores originales que volvieron a interpretar a sus personajes, el homenaje a Pat Morita (el querido Señor Miyagi), y como toda la trama nos va llevando a un nuevo enfrentamiento en el Torneo de Karate de All Valley para Sub-18. Con la diferencia que acá, ya no nos queda tan claro, quiénes son los malos y quiénes son los buenos.

Como si fuera verdad la teoría expuesta en un capítulo de la serie “How I Meet your Mother”, en dónde se argumenta que Daniel en realidad era el violento y Johny una víctima, la serie se apoya en ésta dualidad constantemente. De hecho, hay una escena puntual en que Johny cuenta todo lo que pasó con Daniel desde su perspectiva y pareciera un gran guiño a la teoría que se puede ver en You Tube bajo el nombre: “Daniel Sam era el verdadero bully”. Y en éste nuevo mundo, como el mejor giro argumental que tiene la trama con respecto a la película, el malo termina siendo el bueno, el bueno termina siendo el malo, el malo empodera a los débiles (sí, a esos que cuando era chico él humillaba) y el bueno apaña a los bullys. Y todo el tiempo, cambia la perspectiva. Quizás para hacernos reflexionar que todos somos buenos o malos según las circunstancia. 

 El Cobra Kai de los 80 estaba integrado por los Bullys de la escuela, por los populares, los poderosos. En ésta serie, Cobra Kai alberga a los nerds, a los discriminados, a los parias de la escuela. Y lo interesante es que no es que Johny se convirtió en Gandhi de un día para el otro. Él en esencia, sigue siendo el mismo, pero las circunstancias lo llevan a ayudar a esos chicos a enfrentarse al mundo. Y aunque, a juzgar por sus métodos de enseñanza y porque sigue utilizando las frases emblemáticas de Cobra Kai como “Sin piedad”, se diferencia de su sensei, él entiende que todo lo que hizo su antecesor estaba mal y cómo lo ha afectado.

A favor de Johny, tenemos que decir que al final de la película, él agarra el trofeo y se lo entrega a Daniel muy emocionado. Así que aunque en nuestro recuerdo, él sea el matón más grande, había indicios de humanidad. Así también, como cuando en la segunda parte, vemos como su sensei le da una paliza y Miyagi lo salva. Luego de éste episodio, él y todos sus amigos abandonan Cobra Kai. Y sí, dejemos la saga acá, porque el resto de películas no te las salvaba ni el adorable Pat Morita.

Así que ahora sí,  podés ponerte tu remera de Cobra Kai con orgullo.

 La serie consta de 10 capítulos de media hora cada uno, un formato muy cómodo. Podes ver los primeros 2 capítulos de Cobra Kai de manera gratuita en su canal de youtube para ver los demás tenés que pagar la suscripción a YouTube Red ó bucear en la web en busca de links para verlos fuera de la plataforma. No te pierdas la serie del año. Una gran lección de cómo actualizar un clásico sin morir en el intento.